Laurent Hilaire: un francés en Moscú transformando el ballet.
Por Anna Galayda June 01 2017 para Russia Beyond.
Por qué un etoile de la Ópera francesa fue invitado a dirigir el ballet en uno de los mejores teatros de Moscú.
Laurent Hilaire se convirtió en el director de los teatros de música Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko de Moscú a principios de este año. Al hacerlo, se convirtió en el primer francés y el segundo extranjero en 100 años en dirigir una compañía de ballet rusa. Recientemente anunció su programa: La dirección en inglés, que fue elegida por el director anterior, Igor Zelensky, será reemplazada por un francés. En julio, durante la noche de ballets de un acto, la compañía rusa presentará por primera vez Black and White, un ejemplo perfecto del estilo francés creado por Serge Lifar, quien emigró de la Unión Soviética en 1923.
En 2018, Rusia puede esperar otra rareza: los ballets coreografiados por otro gran bailarín de ballet ruso, Rudolph Nureyev. Don Quijote será la primera actuación. Hilaire también planea organizar ballets de Forsythe, Kylian, Ekman y otros coreógrafos.
En tu primer programa confiaste a la compañía con complicados ballets coreografiados por Lifar y Forsythe. ¿Por qué elegir actuaciones tan difíciles?
Me dicen que esto es arriesgado. Pero nada sucederá con solo agitar la varita mágica. Los bailarines no deben ser subestimados. Obviamente, tampoco deberían sobrestimarse. Puedes comparar esto con las relaciones en una pareja. Debemos saber cuidar al otro, nutrirnos unos a otros. Yo también soy bailarín. Mi viaje es algo que hice solo. Pero al mismo tiempo miro hacia adelante. Esta es la comparación de la que hablo con la compañía. Está aquí por sí mismo. Es el mejor instrumento. Estoy muy inspirado por las personas que trabajan aquí y por lo que veo, con cuánta rapidez pueden absorber lo que quiero comunicarles.
Entre los estrenos que has programado para el próximo año, estará el baile de Dmitri Bryantsev, una producción creada hace 20 años para el Stanislavsky Ballet Theatre. ¿Aspiras a resucitar las tradiciones de la troupe?
He venido aquí para aprender la cultura rusa, que realmente amo. Pero también he venido a desarrollarlo. Conozco a los coreógrafos rusos que merecen su propio lugar en el mundo coreográfico. Pero también hay quienes estoy seguro que no sé. Estoy abierto a todo y observo cuidadosamente todo lo que sucede aquí.
Su contrato de Moscú ha sido firmado por cinco años. ¿Qué tipo de planes estás haciendo a largo plazo?
¿Qué queremos lograr? No debemos competir con el Teatro Bolshoi. Tenemos nuestra propia historia y maravillosas tradiciones que fueron creadas por Vladimir Burmeister. Tenemos nuestra propia audiencia. Cada noche, en cada actuación veo una casa llena. Es necesario que esta audiencia nos siga siendo leal. Al mismo tiempo, debemos pensar en cómo atraer a nuevos jóvenes. Para esto tenemos que crear un lienzo en blanco y comenzar a pintar en él. Tenemos que ampliar nuestra gama de posibilidades, con la introducción de nuevas tecnologías, nuevos ballets. Creo que el arte existe no solo como un placer, sino también para presentar nuevas preguntas, abrir nuevos mundos desconocidos, para no tener miedo de nada fuera de lo común. Claro, me arriesgo, pero todos los proyectos ambiciosos son riesgosos. Por ejemplo, las primeras producciones de Preljocaj se recibieron con bastante frialdad. Se necesitaba tiempo para entenderlos. Pero los espectadores evolucionaron junto con sus ballets. Creo que para que los espectadores se acerquen a nuevos estilos coreográficos, se les debe dar varias claves.
El mundo del ballet se divide en escuelas: ruso, francés, estadounidense y danés. En su opinión, ¿estas escuelas aún tienen sus particularidades hoy o están tratando de enseñar algunas clases de francés a bailarines de moscovita?
Cada escuela tiene sus propias ventajas. ¿Pero cuál es el fundamento de la danza? Reglas muy estrictas. Y si miramos a nuestro alrededor, veremos que todas las escuelas están unidas y caracterizadas por una ejecución precisa. Cualquiera que sea la escuela, el ballet académico siempre se origina desde la misma fundación. Y como bailarín, siempre aspiré a la pureza de la ejecución, a comprender el significado principal y principal del movimiento, por qué ocurre esto o qué movimiento y cuál es la motivación.
Creo que esta es la respuesta a la pregunta sobre la calidad del estilo y el bailarín. Si hablamos de unificación, diría que debemos aspirar a la más alta calidad. Claro, cuando hablamos de la «escuela rusa», estamos insinuando Plisetskaya, Maximova, Zakharova, sus maravillosas manos, ante todo. Y cuando veo a los graduados actuales de la Academia Vaganova, no creo que todo esto esté perdido. Dirigirse hacia la unidad no significa perder lo que era parte de su tradición. La globalización es una oportunidad para absorber lo mejor de todo. En el mundo contemporáneo no puedes seguir siendo una estatua, no puedes permanecer cerrado y no cambiar. Y los bailarines que hoy bailan técnicamente, bailan mejor que los que bailaron hace 50 años. Este es un proceso completamente natural. Pero ser bailarina es difícil en cualquier época. Para lograr cualquier cosa, sentir gratificación, necesita trabajar, ser increíblemente exigente consigo mismo, siempre expandiendo fronteras. De lo contrario, no es un arte. Para evocar cualquier tipo de emoción en el espectador, el artista debe estar siempre al filo de un cuchillo. Pero si quieres animarte con calma, necesitas cambiar de profesión. Fuente www.rbth.com
