Exibición «Ballerina: Fashion’s Modern Muse» en Museum at the Fashion Institute of Technology de New York City

Pocas formas de arte han sido tan decididamente femeninas como el ballet clásico. Como George Balanchine, el legendario coreógrafo declaró: «El ballet es mujer». Incluso aquellos que tienen poco conocimiento de esta forma de danza reconocen que su practicante suprema, la bailarina, es una artista altamente capacitada y realizada que encarna los ideales modernos de belleza y gracia, perfectamente encerrada en un físico elegante y envidiablemente tonificado.

Su posición elevada, sin embargo, es un fenómeno relativamente reciente. Durante siglos, las bailarinas, como otros artistas escénicos, fueron relegadas a los márgenes de la sociedad y explotadas a lo largo de sus carreras. Sin embargo, después del exitoso debut parisino de los Ballets Rusos en 1909, sus circunstancias comienzan a mejorar. Esa compañía, fundada por el empresario Sergei Diaghilev, así como la compañía homónima dirigida por una compañera emigrada rusa, la bailarina Anna Pavlova, revitalizó la danza clásica en Occidente y encendió una locura por el ballet o «balletomanía» generalizada y duradera.

El impacto del ballet fue tan profundo que ejerció influencia en muchos campos de la creatividad, siendo uno de los más importantes la moda. Al mismo tiempo, la bailarina se convirtió en una figura de belleza y glamour venerada y aspiracional, y su atuendo característico, el tutú con corsé, inspiraría a muchos de los principales diseñadores de moda. A partir de la década de 1930 y hasta la década de 1970, las bailarinas aparecían con frecuencia en las principales revistas de alta costura. No solo se cubrieron sus actuaciones, sino que varias de las bailarinas más bellas modelaron regularmente los últimos modos.

Muchos de los objetos de alta costura en Ballerina: Fashion’s Modern Muse fueron diseñados y fabricados en París. Sin embargo, la popularización del ballet clásico a lo largo del siglo XX debe mucho a los británicos y los estadounidenses. El ballet clásico ruso imperial no solo sobreviviría, sino que se convertiría en las artes escénicas más populares en el Reino Unido y los Estados Unidos desde principios de la década de 1930 hasta mediados de siglo. Durante esa época dorada, la alta costura buscó por primera vez los ballets clásicos como Giselle, Swan Lake y Sleeping Beauty, mientras que los diseñadores de ropa deportiva se inspiraron en los ballets contemporáneos realizados con ropa de práctica aerodinámica.

Los más de 90 objetos a la vista incluyen: una deslumbrante variedad de vestidos de alta costura inspirados en tutú con corpiños deshuesados ​​y faldas voluminosas; Separadores estadounidenses listos para usar basados ​​en leotardos y medias y calentadores de piernas; y calzado que va desde zapatillas planas de «bailarina» hasta tacones fetichistas de estilo «pointe». Los materiales inspirados en el ballet se hicieron cada vez más importantes: la red de seda conocida como tul se convirtió en uno de los materiales estándar utilizados para confeccionar vestidos de noche, mientras que los tejidos de punto fueron el material preferido para las prendas deportivas. Los colores emblemáticos de las bailarinas, como sus mallas «rosa ballet» y sus zapatillas de punta, así como los tonos popularizados por ballets específicos como «Sleeping» blue y lilac de Sleeping Beauty, también se abrieron paso en las colecciones de modistas y ready- diseñadores de vestimenta durante los años de mediados de siglo. Para dilucidar las apropiaciones de la moda de los elementos de ballet, las prendas se entremezclan con una selección de disfraces de ballet usados ​​por legendarias bailarinas como Anna Pavlova y Margot Fonteyn, así como por las estrellas del New York City Ballet y el Dance Theatre de Harlem.

La exposición también presenta la idea de la bailarina como una «mujer de estilo». Más de una docena de conjuntos de Christian Dior, Yves Saint Laurent, y Halston y usado por estrellas como Margot Fonteyn, Alicia Markova, Maria Tallchief y Virginia Johnson ilustran el importante papel que desempeñó la moda en la carrera de la bailarina. La influencia del ballet en la moda comenzó a disminuir lentamente a principios de la década de 1980. Su gran influencia de mediados de siglo se desvaneció con el surgimiento de la cultura juvenil y el declive simultáneo de la alta moda. Aun así, las bailarinas se beneficiaron de los vientos culturales cambiantes eso elevó su arte, y no han perdido la posición emancipada que les legaron las generaciones anteriores de bailarines. Revertir a la bailarina, la musa moderna de la moda, sigue siendo un espíritu que adoptamos hasta el día de hoy.

Programas publicos

La exposición incluye una selección de programas públicos que incluyen un simposio de un día con historiadores y expertos en danza como Laura Jacobs, Joel Lobenthal, Jane Pritchard y Lynn Garafola. Tendrá lugar el 6 de marzo de 2020, durante el Mes de la Historia de la Mujer.

Si bien la exposición presenta el impacto internacional del ballet en la moda, también aborda la falta de diversidad en ambos campos creativos. Con el fin de ampliar el conocimiento sobre las bailarinas pioneras que rompieron barreras, MFIT presentará un programa público especial sobre el tema. Un panel con la primera generación de bailarinas afroamericanas que alcanzaron el estrellato nacional e internacional contará con Virginia Johnson y Lydia Abarca del Dance Theatre de Harlem, Aesha Ash del New York City Ballet y Debra Austin, que bailaron con la ciudad de Nueva York. Ballet antes de convertirse en bailarín principal en el Pennsylvania Ballet, una de las compañías de danza más importantes de Estados Unidos, en 1982. Este panel de discusión tendrá lugar el 27 de febrero de 2020, durante el Mes de la Historia Negra.

La publicación

La exposición está acompañada por un libro lujosamente ilustrado, publicado por Vendome Press. Además de los ensayos principales escritos por Patricia Mears, subdirectora de MFIT, la publicación también incluye contribuciones de destacados especialistas en danza y moda. Incluyen a la crítica de danza y autora Laura Jacobs, curadora de danza en el Museo Victoria and Albert Jane Pritchard, crítica de danza y escritora de moda Joel Lobenthal, y gerente y curadora de moda del Museo de Moda Bath Rosemary Harden.

Bailarina: Modern Muse’s Fashion ha sido posible gracias a la generosidad del Consejo de Alta Costura del Museo en el FIT y el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York, con el apoyo del Gobernador Andrew M. Cuomo y la Legislatura del Estado de Nueva York. La Sociedad de Anticuarios de Londres y The Gainsborough Bath Spa brindaron apoyo adicional.

Museum at the Fashion Institute of Technology
February 11 – April 18, 2020
227 West 27th Street – New York City 10001-5992